Le naturalisme qui se développe après 1740 dans les productions de faïence et porcelaine au XVIIIème siècle se remarque principalement dans la précision des peintures et dans les trompe-l’œil.

Pour la peinture, la maîtrise du petit feu avec, en particulier, le pourpre de Cassius, conduit à une éclosion de modes et d’écoles de peinture. En effet, les manufactures ont essayé de se particulariser (davantage que précédemment) pour se démarquer les unes des autres.

L’utilisation de gravures en tant que modèles et l’emploi de poncifs ont favorisé une excellence dans l’exactitude du motif représenté, sa beauté et le soin apporté aux décors.

La manufacture de Meissen a ouvert la voie aux trompe-l’œil et aux statuettes dès les années 1730 – 1735 avec ses productions de grands animaux en porcelaine blanche, sous la direction de Johann Joachim Kaendler. Ceux-ci étaient destinés à agrémenter et décorer de grands espaces, comme les jardins d’Auguste le Fort pour le Palais japonais de Dresde. La manufacture saxonne développe par ailleurs au même moment des statuettes animalières, qui décoraient et animaient la table ou étaient disposées sur des meubles dans les salles à manger, avec une prédilection pour les perroquets et les carlins (mobs). Vincennes, avant 1756, et Vienne, entre 1744 et 1749, s’inspirent des productions de petites statuettes de Meissen.

Afin d’illustrer notre propos, nous avons la chance d’avoir eu connaissance, pour la manufacture de Paul Hannong, d’une description des ateliers strasbourgeois en 1753 :

« La fayancerie est une chose à voir, dans le premier magazin qu’on nous montrat qui est au premier étage nous y vimes un amas prodigieux de fayance fabriquée et travaillée avec le dernier gout, voicy le nom des principales pièces Des choux de toute espèce dont le coloris et feuillage imitent si fort la nature que les yeux y sont trompés.

Des jattes de pommes d’apis, des raisins, des poires, des artichaux, des asperges en botte qui souvrent par le milieu, de gros raisins qui s’ouvrent aussy, des escargots, des vases à mettre des œufs frais, des tortues, pour servir des ragouts de tête de sangliers, une pendule, une dinde, des poulets, des oyes, des cygnes, des canards, des bécasses, des perdrix, des hyrondelles de mer, un jambon. (sic)» (cf. Lettre d’un voyageur bourguignon, Bibliothèque-médiathèque de Nancy, ms. 1270 (783).

Si ce récit nous confirme l’existence de certains sujets cités, d’autres animaux mentionnés dans ce récit nous sont jusqu’ici inconnus en faïence de Strasbourg : « des poulets », « des cygnes », « des hirondelles de mer » ! Y a-t-il erreur dans la description ? n’en existe-t-il plus ?

Par ailleurs, l’inventaire après décès du 26 novembre 1755 de Catherine Barbe Acker (épouse de Paul Hannong, décédée le 17 avril 1755), mentionne des faisans de la manufacture (ABR 6 E 41/579 N°5).

Le trompe-l’œil du faisan est, à notre connaissance, une exclusivité de Paul Hannong à Strasbourg.
Celui présenté en photo est particulièrement raffiné : la peinture homogène de son plumage montre une parfaite continuité dans les plumes du haut et du bas. Il arrivait parfois, à la suite d’accident ou de rangement hâtif, que le bas d’origine ne se retrouve pas avec son couvercle. Ce n’est pas le cas de ce faisan !

L’utilisation exacte d’une telle terrine reste un peu un mystère. En effet, aucune pièce d’archives, aucun texte ne nous éclaire à ce sujet. On peut imaginer un décor de table de grandes dimensions.

Les représentations dominantes des animaux oscillent entre deux pôles : à un extrême se trouvent les animaux méprisés, exploités, objectivés, torturés, exterminés, tandis qu’à l’autre se rencontre une célébration des relations symbiotiques et d’identification, comme si tous les vivants appartenaient à une même grande famille. L’art contemporain n’échappe pas toujours à cette architecture générale. Je propose cependant de rechercher une troisième voie dont la portée serait plus éducative que celle des deux autres.

Né le 2 décembre 1943 à Holyoke, dans le Massachusetts, aux États-Unis, estun photographe d’art, renommé pour ses clichés mettant en scène ses chiens, des Braques de Weimar.

En substituant le chien à l’homme, il apparaît davantage comme un artiste conceptuel qui s’adapte, plutôt que celui qui se revendique. On dépasse l’image du simple « compagnon fidèle », le chien revêt ici les valeurs sociales et individuelles, entre conformisme et décalage. William Wegman reprend, renverse, flirte avec les codes et les mœurs de la société, sans pour autant avoir recours à une signification stricte à chaque photographie.
Dans ses photos, il montre aussi l’humanité de l’animal, ou inversement l’animalité de l’humain.

Né en 1965,vit et travaille à Gand Belgique Wim Delvoye confronte l’histoire de l’art, la tradition flamande et l’industrie de manière souvent  extravagante. De la cage de but de football incluse dans un vitrail au faux dallage de marbre réalisé avec du jambon, des nichoirs ornés d’accessoires sadomasochistes, aux cochons tatoués, l’inventivité de l’artiste et son goût pour la dérision ne connaissent aucune limite.

Vecteur de symboliques contradictoires, « le cochon n’est pas seulement un animal; c’est un pur produit industriel, domestiqué, génétiquement trafiqué, c’est une fausse-nature » . Ici le cochon dont la peau a été remplacée par un tapis d’orient cristallise les difficultés de notre société occidentale à vivre avec l’Islam.

1911-2010 , sculptrice, dessinatrice, graveuse et plasticienne française, naturalisée américaine.

Elle explore des thèmes tels que l’univers domestique, la famille, le corps, notamment les organes sexuels, tout en abordant une approche qui se traduit comme une manifestation des subconscients et la réactivation de souvenirs de son enfance. Elle est proche des mouvements  expressionnistes abstraits et du surréalisme, ainsi que du mouvement féministe, mais reste toute sa vie non affiliée à une mouvance particulière.

L’Araignée, pour la plasticienne française est le symbole de la mère : « parce que ma meilleure amie était ma mère, et qu’elle était aussi intelligente, patiente, propre, utile, raisonnable et indispensable qu’une araignée ».

Né en 1963, vit et travaille à Paris

Il développe depuis la fin des années 1980 une démarche aux formes multiples (sculpture, peinture, environnement, spectacle, vidéo, photo) entre classicisme formel et haute technologie. Ses œuvres questionnent notre perception et cultivent un intérêt pour les espaces de déambulation, souvent évolutifs, dans lesquels le visiteur devient acteur, comme lors de l’exposition Veilhan Versailles (2009), la série Architectones (2012-2014) ou récemment Studio Venezia (2017), sa proposition pour le Pavillon français de la Biennale de Venise. L’œuvre de Xavier Veilhan s’invite souvent dans l’espace public, avec des sculptures dans de nombreuses villes à travers la France et à l’étranger : Paris, Stockholm, New York, Shanghai et Séoul, entre autres.

Depuis les années 1990, le bestiaire animalier occupe une place de choix dans l’œuvre de Veilhan. Pingouins ou rhinocéros sont ainsi façonnés en résine teintée dans la masse avec des coloris non naturalistes. Rhinocéros (1999), réalisé à échelle réelle,  laqué en rouge Ferrari modifiant instantanément la perception du mastodonte ainsi « carrossé ». En 1995, avec Les Gardes républicains, Xavier Veilhan avait présenté un ensemble de quatre gardes à cheval : comme des soldats de plomb reportés à une taille réelle, les statues ne recherchaient pas le mimétisme mais parvenaient à introduire un rapport troublant d’autorité à l’égard du spectateur.

Né en 1967, vit et travaille à NY

Après des études de médecine et un diplôme obtenu à Yale University en 1991, l’artiste, qui est aussi un athlète accompli et un sportif de haut niveau, débute dans le milieu de l’art par l’entremise de la galeriste Barbara Gladstone. Son travail provoque et l’artiste connaît un succès rapide. Ses premières œuvres s’inscrivent dans la lignée du body art, il soumet son corps à des épreuves physiques d’endurance, témoignant d’une volonté de contrôle et de domination du corps de l’artiste.

Matthew Barney s’est fait connaître du public le plus large par son cycle de cinq films Cremaster où il apparaît métamorphosé sous différentes formes animales et humaines et crée un monde onirique et baroque stupéfiant. Son œuvre démesurée et monumentale interroge les problématiques de genre, les cyborgs, l’humanité mutante.

Né en 1975. Vit et travaille à Paris et Los Angeles.

Diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 2003, Lionel Sabatté a reçu plusieurs prix artistiques tel que le prix de Peinture de la Fondation Del Luca en 2019, le Prix des Amis de la Maison Rouge qui lui a permis de produire une œuvre, présentée au sein du patio de la fondation en 2018, le Prix Drawing Now en 2017 et a reçu le Prix Yishu 8 de Pékin en 2011. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions monographiques en France comme à l’étranger, intégrant plusieurs collections institutionnelles.

La sphère du vivant ainsi que les transformations de la matière dues au passage du temps se retrouvent au cœur du travail de Lionel Sabatté. L’artiste entame depuis plusieurs années un processus de récolte de matériaux qui portent en eux la trace d’un vécu : poussière, cendre, charbon, peaux mortes, souches d’arbres… Ces éléments sont combinés de manière inattendue et les œuvres ainsi créées portent en elles à la fois une délicatesse mais aussi une « inquiétante étrangeté », donnant vie à un bestiaire hybride dans lequel des créatures des profondeurs abyssales côtoient des petits oiseaux des îles oxydés, des ours, des loups, des émeus, des chouettes, mais aussi des licornes … 

Né  en 19971. à Kirksville. USA

David Hevel révélé l’absurdité du consumérisme américain, de l’économie mondiale et du chaos des médias de masse, son travail juxtapose l’esthétique mi-américaine de la taxidermie et de l’arrangement floral avec les commérages, le glamour et le faste de la royauté hollywoodienne.

La représentation des huit chevaux de l’Empereur Mu Wang porte le nom de « Bā Jùn Tú » 八骏图 que l’on peut traduire par « Les huit fougueux chevaux ».

Ce thème populaire dans l’iconographie chinoise, apparait sur les tabatières à partir de la seconde moitié du XVIIIe siècle, sculpté sur des agates ou des jades, émaillé sur des flacons en porcelaine d’époque Daoguang (1821-1850), puis peint à l’intérieur de tabatières en verre ou cristal de roche à partir de la fin de XIXe siècle.

Le motif prend sa source dans le conte du Roi Mu (周王傳).

Cet ouvrage narre les voyages du célèbre empereur Zhōu Mù Wáng (周穆王), cinquième empereur de la dynastie Zhou (1046 -256 av. J.-C.), connu pour avoir généré de grands changements au sein de l’Empire du Milieu et régné près de 55 ans.

Mu rêvait d’être immortel et, très déterminé, se rendit à Kūnlún (崑崙), au « Jardin des Pêches Immortelles au Pilier de Jade » pour goûter à ces fruits pouvant lui procurer une vie éternelle.  Il y rencontra la belle Xīwángmǔ (西王母) « la Reine Mère de l’Ouest » propriétaire du lieu.

Pour faire ce long voyage, un courageux aurige nommé Zào Fù (造父) mena le Roi grâce à son char tiré par huit magnifiques chevaux.

Chaque cheval, nommé d’après la couleur de sa robe, véhicule une signification et un symbolisme de bon augure et représente la valeur et les vertus incarnées par le vénéré roi Mu.